Über die Grace-Kelly-Serie.

Ausgehend von dem Bild des Malers als mythischem Subjekt der Kunstgeschichte, erkundet Henry Woller in seinen Bildern, die Rolle und den Stand der Malerei in Zeiten einer Kunst nach der Kunst. Hierbei beschwört er immer wieder geradezu manisch Grace Kelly, selbst das Paradebeispiel eines (weißen) Ideals der absoluten Schönheit und Perfektion. Dabei verhandelt er zwei Aspekte gleichzeitig: zum einen die Gegenwärtigkeit historischer Konflikte und die vielfältigen Arten wie diese sich im Machtfeld der Kunst und des Ästhetischen manifestieren. Zum anderen wird das hypermaskuline Bild des Malers als dem männlichen Helden in Frage gestellt. Aber, trotz dieses Aktes stiller Rebellion, ist Graces Schönheit nicht zu trauen. Sie bleibt eine zwielichtige Gestalt und sie lächelt nie. Vielleicht ist selbst ihre Weiblichkeit nur Schein: Oft sind ihre Schultern breiter als angemessen und ihre Kinnpartie könnte Nüsse knacken. In der edlen Haut der arischen Göttin wohnt der verführerische böse Geist einer Idee von Repräsentation und Privileg, der , wie es scheint , einfach nicht sterben kann. Affirmation, Theatralik, Erniedrigung , Dekonstruktion und Kritik vertauschen hier konstant die Rollen und sind am Ende ununterscheidbar. Die Dreißiger-Jahre-Fraktur gibt dem Bild den Titel und hat doch nichts mit ihm zu tun( nach Aussage des Künstlers sind seine Titel " rein willkürlich gewählt"). Die Verbrüderung von diagnostischem Blick und der Verliebtheit des romantischen Eskapismus machen den Zuschauer zum Komplizen in einem Nullsummenspiel, in dem der Künstler gleichzeitig Agent aller beteiligten Seiten  ist.

On the Grace-Kelly-Series.

Through the entrance of the reception of the painter's subject as a mythical being, Henry Wollers paintings explore the question about the role and the state of painting in times of an art after art. In doing so, over and over again he manicly incantates the myth-enshrouded persona of Grace Kelly, supreme example of a (white) ideal of absolute beauty, and, according to reliable sources, the fairiest actress of all times. The absolute artificial surface of the legendary celebrety serves as a metaphor covering two issues at the same time: the ongoing presence and persistence of historical conflicts and their multiple ways of how they're being staged in the field of power of the aesthetics and the arts.
At the same moment, he questions the handed-down, poured-in-concrete-image of the painter as the male hero. But , despite this act of silent rebellion, Graces beauty is never to be trusted. She remains as a shady character and she never gives a smile. Perhaps even her feminity is a hoax : often her shoulders are larger than allowed and her jawline could crack nuts. Underneath the aryan godess' noble skin, there resides the seductive evil spirit of an ideal of representation and privilege, who, as it appears, simply can not die. Affirmation, staginess, humiliation, deconstruction and critic all seem to constantly change parts and in the end remain indistinguishable. The fractured thirties-font entitles the paintings and has nothing to do with them ( according to the artist, they are "absolutely arbitrary"). The fraternisation of the diagnosctic view and the oeillade of the romantic escapism complicit the viewer in a zero-sum-game, in which the artists functions as the agent of all players involved.